Boom Bang Interview!

2 June 2016

Interview with Camille Griner at Boum Bang!


1. What is your artistic background?

As a teenager my passion was sculpture. I worked in clay mainly and as my projects became more ambitious my parents bought me a small arc welder. I made several large pieces including a 15’ dinosaur skeleton from welded scaffolding clips and bits of broken down agricultural machinery. I wanted to be a sculptor but I couldn’t envisage a life working alone in a studio. After a frustrating Art Foundation year I took a darkroom course and realised that I could have a creative life without having to be alone. It was a revelation. The black and white darkroom became an addiction.

My first photographic projects were mainly self-portraits and I used myself as a model so that I could be independent. I wanted to explore without the constraints of working with another person and all that entails. It was a very exciting and freeing process. I feel very fond of that work when I look back at it. I can see that I was getting something out of my system, it was a very intense process, and at the same time I fell in love with the intrinsically photographic process of exploring the relationship between the camera, the viewer, and the viewed. I think this is still a strong element of my process. My photographs in the forest are still a kind of self-portrait.

Later I spent several years assisting commercial photographers and taking small commissions before doing an MA in Photography at London College of Communication.

2. What are your influences?

My inspiration comes from the woods, from walking and looking, and from landscape painting. I grew up in the New Forest which is a large, ancient woodland in the south of England. My parents were both very inspiring as I was growing up. My mum is a landscape painter, and she would take my sister and I out painting. Photography has replaced painting in the last 15 years, but I still draw and sketch my ideas and plans. One day I would love to return to some form of painting.

My dad and his best friend were fanatical amateur photographers, and they were both very influential in igniting my interest in photography from an early age. We had a small darkroom in the house throughout my childhood and I particularly loved experimenting with Polaroid 665, a medium format Polaroid that has a negative and a positive sheet inside it. You shoot the frame, rip open the sheets and dip the negative in a bucket of fix before hanging it on a line to dry. I loved the messy and unpredictable nature of this process and the magic of those instant images, but best of all was the ability to print from the big negative, taking the process to its final printed conclusion and having control from camera to print. Polaroid withdrew 665 film about 10 years ago and sadly closed not long afterwards but I still have about 20 packs saved in the fridge.

Books I have read recently and found inspiring include a short story called the Earl King by Angela Carter and The Man Whom the Trees Loved by Algernon Blackwood. I also read lots of mountaineering and climbing books, accounts of incredible ascents in the Alps and Himalayas. Although these books aren’t about forests they explore the power of the natural world and different relationships to it.

3.You capture forests, tell me about this favourite theme. What do you find intriguing about forests?

I love working in the forests because they are imbued with all sorts of meanings which come to us through history, mythology, stories and tales. I grew up in the New Forest in the South of England. The woods were a huge part of my childhood, playing with my twin sister, making dens, learning to forage for wild foods and mushrooms and walking with my parents. I went to university and then moved to London, where I have lived for the last 17 years. I missed these ancient spaces and the wild places of my youth, and I wanted to find a way to rekindle this important relationship in my life. I love being able to return there for my work, finding new ways to explore the woods making interventions within the forest.

I use the woods like a studio space. They provide a scene, or a backdrop into which I carry out small interventions which lead the viewer inside. The process of making, constructing or inscribing within the forest space allows me to mediate my own relationship to the woods – looking at the balance between how our ideas of landscape are constructed by the culture we live in, and by our own experiences of these natural spaces. We enter the forest laden with cultural references, our experience of the forest overlaid with received knowledge, especially for those living in urban spaces where we are so far removed from the natural world. My work allows me to find my own place within this process, to make even fleetingly, a space of my own and a way to exist within it.

4. Where are these forests you work in? And how do you find these places?

I make the majority of my work in the New Forest in Hampshire and Puddleton Forest in Dorset. The Gloaming series was made in Llanberis in North Wales and I recently made some new work in Fontainbleau Forest in France.

I have mainly worked in the New Forest because I know it so well and it is a hugely varied and inspiring landscape. I would love to work in all sorts of different forests and hope to do so in the future. Each new place brings different ideas and ways to work so it is very exciting to discover what a new place will bring out in my process.

My ideas and the places I want to make the work are found through walking. I make lots of notes and sketches – materials, atmosphere, time of day, and the equipment I plan to use in advance of going out into the woods to work. I usually make one piece of work a day, but a project can take up to a year to complete. There is also a seasonal element to the process; my Half Light series was shot in the autumn and winter of 2016 whilst the forest was very wet and flooded, so I have had to take a break from it over the spring and summer and wait for rain to return so that I can begin work on the series again in the autumn.

I usually arrive at my chosen location with a fairly clear idea of what I want to make but the process of constructing and photographing is always an interaction and I enjoy the way things change and evolve in the moment in relation to the environment I am working in.

5. With your sensual and poetic installations, your photographs make these forests supernatural and mysterious. Tell me about your aesthetic and technical choices.

The aesthetic elements of my work are about trying to capture how it feels to spend time in the woods alone. When you step inside a dense or mature woodland the wind drops, the air cools and you experience a heightened sense of awareness. I think my photographs hold dark and light, mystery, narrative and intrigue. Some people find my work very dark and others find it joyful and uplifting and I love this variation in the way people respond to the work, it probably says more about the viewer than the images themselves.

The images reflect my experience of being in the woods, I want the viewer to experience the physical sensation of being along in the woods, day through to dusk. I usually work in bad weather; overcast, preferably rainy weather with no wind are my ideal conditions. The gloomy light gives a richness to the shadows and to the colours which in itself creates an aesthetic style within my work.

My essential kit is a Pentax 645z, 3 lenses, a manfrotto tripod and cable release. I carry the camera and food for the day in a backpack and it allows me to roam around, walking fairly long distances within a day. I work alone, another important element in creating the stillness, quiet and a certain tension that I hope to convey in the work.

6. How do you describe your work and how has it evolved?

I make landscape photography fused with various ‘made’ objects that I create within a woodland setting. These are photographed and the resulting image becomes the final piece. In past work these interventions have ranged from pathways weaving through the woods made from craft materials, bracken, flour, and coloured leaves and paper and smoke, to large scale forest ‘Dwellings’ built from materials gathered from the forest floor. Each ‘made’ object has a very short life, and is not the artwork but a means to creating a photographic image. I use my work to explore my relationship with the natural world.

The images explore the different cultural perceptions of the forest, and how this plays into our experience of these spaces. These contructs come to us through media, history, fairytales, myth, psychology, conservation, and so on, and range from framing the forest as a benign leisure facility all the way through to a place of danger, unknown horrors and as a metaphor for the unconscious mind. My images consider these layers of meaning whilst encouraging the viewer to make their own interpretation of what is going on.

Stars (2014-2015) was a slight technical departure, I overlayed images taken by the Hubble Space Telescope into the forest spaces. This body of work considered our alienation from the natural world by juxtaposing the woodland with images of the farthest reaches of space.

My newest body of work ‘Half Light (2016)’ uses the rivers of the New Forest as a feature to explore this relationship. The river banks create a false horizon within the woodland, and the deep waters separate the viewer from the forest beyond, reflecting again my sense of seperation from the natural world.

7. Tell me about your last series Half Light.

My Artist’s statement outlines the project..

Half Light

The waters are dark and very still, bordered by riverbanks, rich traceries of ferns and vegetation, textured and colorful. They dissect the space with a false horizon, a barrier that separates us from the twilight forests beyond. With only this remote viewpoint from which to consider the land we are forced to occupy a place devoid of experience, an absence of landscape and a physical separation from it, adrift in the deep and murky waters.

Growing up in the New Forest in the south of England, I spent my childhood exploring and playing in the woods with my twin sister. In Half Light, I consider my relationship with these places, my ongoing attempt to reconnect with the wilder landscapes of my youth and to discover if those remembered and imagined places can be found and captured again, or if, like my childhood they too are out of reach.

This body of work explores the notion of landscape as constructed; imbued with symbolism and layers of meaning. We have no choice but to impose our own preconceptions onto the land, each of us bringing with us the personal experiences and understanding that inform and skew the way we view the world around us. Living out our lives in vast cities, we are alienated from that which is natural, unable to have a truly immersive relationship with it and at best, only able to view it remotely, seeing it as an idealization, constructed and distant.

8. What are your future projects?

I’m still making Half Light (2016), I started the series in the autumn of 2015 and worked on it until late spring 2016. I will continue in the autumn.

Following that I will begin experimenting and testing again, possible ideas include a 60 foot parachute and maybe some fire.

I am very much looking forward to my next solo exhibition at Crane Kalman Gallery called ‘Into The Woods’, from 21 July – 20 August 2016.

I am also working towards my first show in Ireland next year, a solo exhibition at the Roe Valley Arts and Cultural Centre in County Londonderry in Northern Ireland.



Un entretien Boum! Bang! 

Née en 1976, l’artiste et photographe anglaise Ellie Davies a fait des forêts son thème de prédilection. Elle n’a de cesse de parcourir les bois, qu’il s’agisse de ceux de sa région natale de New Forest au sud de l’Angleterre ou plus récemment de la forêt française de Fontainebleau, afin d’y créer des œuvres poétiques et sensuelles magnifiant le mystère et l’enchantement de ces étendues forestières. Un travail expérimental et délicat qui valait bien un entretien.


© D. R., Ellie Davies portrait

B!B!: Quel est votre parcours artistique?

Ellie Davies: Adolescente, j’étais passionnée par la sculpture. Je travaillais principalement l’argile, puis mes projets sont devenus plus ambitieux lorsque mes parents m’ont acheté un petit soudeur à l’arc. J’ai fait plusieurs grandes pièces, dont un squelette de dinosaure avec des morceaux soudés d’échafaudages et de machines agricoles. Je voulais être sculptrice, mais je n’envisageais pas de travailler seule dans un studio toute ma vie. Après une année frustrante à l’Art Foundation, j’ai pris un cours de chambre noire et réalisé que je pouvais avoir une vie créative sans avoir à être seule. Ce fut une révélation. La chambre noire en noir et blanc est devenue une addiction. Mes premiers projets photographiques étaient principalement des autoportraits. Je me suis servie de modèle afin de pouvoir être indépendante. Je voulais explorer ce médium sans avoir les contraintes de travailler avec une autre personne et tout ce que cela implique. Ce fut très excitant et libératoire. J’étais vraiment impliquée dans ce travail quand j’y repense. Plus tard, j’ai passé plusieurs années à aider des photographes commerciaux et prendre de petites commissions, avant de faire une maîtrise en photographie au London College of Communication.

B!B!: Quelles sont vos influences?

Ellie Davies : Je puise mon inspiration dans la forêt, la marche et la recherche, ainsi que dans la peinture de paysage. J’ai grandi dans la région de New Forest, une grande forêt ancienne du sud de l’Angleterre. Mes parents m’ont tous les deux beaucoup inspirés lorsque je grandissais. Ma mère peignait des paysages et nous montrait son travail à ma sœur et moi. La photographie a remplacé la peinture au cours des quinze dernières années, mais je dessine et esquisse encore mes idées et mes plans. Je serais ravie de revenir un jour à une certaine forme de peinture. Mon père et son meilleur ami étaient des photographes amateurs fanatiques, et m’ont tous les deux beaucoup inspiré. Ils ont développé mon intérêt pour la photographie à un âge précoce. Nous avions une petite chambre noire dans la maison lorsque j’étais petite, et j’ai particulièrement aimé expérimenter avec le Polaroid 665. Vous shootez, trempez le négatif dans un seau de solution avant d’accrocher les clichés sur une ligne à sécher. J’adorais la nature désordonnée et imprévisible de ce processus et la magie de ces images instantanées. Polaroid a retiré le Film Polaroid 665 il y a environ dix ans mais il me reste environ vingt paquets dans le réfrigérateur. Pour ce qui est des livres, j’ai lu récemment « The Erl-King d’Angela Carter » et « The Man Whom the Trees Loved » d’Algernon Blackwood, que j’ai trouvé inspirants. Je lis aussi beaucoup de choses sur l’alpinisme et des livres d’escalade, comme les remontées incroyables dans les Alpes et l’Himalaya. Bien que ces livres ne soient pas sur les forêts, ils explorent la puissance du monde naturel et les différentes relations avec elle.

B!B!: Vous photographiez des forêts, parlez-moi de ce leitmotiv dans votre travail. Qu’est-ce qui vous fascine dans ces lieux?

Ellie Davies: J’aime travailler dans les forêts parce qu’elles sont imprégnées de toutes sortes de significations à travers l’histoire, la mythologie, les histoires et les contes. Ayant grandi dans le New Forest, les bois font partie intégrante de mon enfance. Nous y jouions avec ma sœur jumelle, faisions des tanières, apprenions à nous nourrir d’aliments sauvages et y marchions régulièrement avec mes parents. Je suis allée à l’université, puis ai déménagé à Londres, où je vis maintenant depuis dix-sept ans. J’ai perdu ces espaces anciens et lieux sauvages de ma jeunesse, et je voulais trouver un moyen de raviver cette relation importante dans ma vie. J’aime y retourner pour mon travail, trouver de nouvelles façons d’explorer les bois et y faire des interventions. J’utilise la forêt comme un studio. Les bois fournissent une scène et une toile de fond, dans lesquels je réalise des petites installations qui conduisent le spectateur à l’intérieur. Le processus de fabrication, la construction ou l’inscription dans l’espace de la forêt me sert de médiateur pour ma propre relation avec les bois – avec un équilibre entre la façon dont sont construites culturellement nos idées de paysage, et nos propres expériences dans ces espaces naturels. Nous entrons dans la forêt avec des références culturelles, une expérience de la forêt empreinte de connaissances reçues, en particulier pour ceux qui vivent dans des espaces urbains où le monde naturel est très lointain. Mon travail me permet de trouver ma place au sein de ce processus. C’est un espace dans lequel je trouve ma propre façon d’exister.

B!B!: L’ensemble de vos photographies ont-elles été prises dans la région de New Forest? Et si non, où se trouvent ces forêts, et comment dénichez-vous ces endroits?

Ellie Davies: La majorité de mon travail a été réalisée dans la New Forestdans le Hampshire, mais aussi à Puddleton Forest dans le Dorset. La série « Gloaming » a été faite en Llanberis dans le nord du Pays de Galles, et j’ai récemment réalisé quelques nouveaux travaux dans la forêt française de Fontainebleau. J’ai principalement travaillé dans la New Forest parce que c’est un paysage extrêmement varié et inspirant. J’aimerais travailler dans toutes sortes de forêts et ai espoir de le faire à l’avenir. Chaque nouvel endroit apporte des idées différentes et des façons de travailler. C’est très excitant de découvrir un nouvel endroit et d’imaginer ce qu’il va faire ressortir dans mon travail. Mes idées et les endroits proviennent de mes promenades. Je fais beaucoup de notes et de croquis – avec les matériaux, l’atmosphère, le temps de la journée et l’équipement que je prévois d’utiliser. Je fais habituellement une pièce de travail par jour, et un projet peut prendre un an. Mon processus prend également en compte les saisons. Ma série « Half Light » a été réalisée en hiver et la forêt était très humide et inondée. Je fais donc une pause entre le printemps et l’été et j’attends actuellement le retour de la pluie à l’automne pour recommencer à travailler sur la série. J’arrive habituellement à un emplacement choisi avec une idée assez claire de ce que je veux faire, mais le processus de construction et la photographie sont toujours en interaction, et je profite de la façon dont les choses et l’environnement changent et évoluent dans l’instant.

B!B!: Vos installations sensuelles et poétiques rendent ces forêts surnaturelles et mystérieuses. Parlez-moi de vos choix esthétiques et techniques.

Ellie Davies: L’esthétique de mon travail consiste à essayer de capturer la sensation lorsque l’on passe du temps dans les bois. Lorsque vous entrez dans une forêt dense et que le vent tombe, l’air se refroidit, et vous ressentez un sentiment accru de sensibilisation. Je pense que mes photographies relèvent de l’obscurité, de la lumière, du mystère, de la narration et de l’intrigue. Certaines personnes trouvent mon travail très sombre, et d’autres le trouvent joyeux et exaltant. J’aime ces différentes réactions face à mon travail, cela en dit probablement plus sur le spectateur que sur les images elles-mêmes. Ces photographies reflètent mon expérience d’être dans les bois, et je veux que le spectateur vive l’expérience de la sensation physique d’être dans les bois, du lever du jour jusqu’au crépuscule. Je travaille habituellement par mauvais temps, avec un ciel couvert et de la pluie de préférence. Ce sont mes conditions idéales. La lumière sombre donne une richesse à l’ombre et les couleurs créent dès lors un style esthétique. Mon kit essentiel est un 645z Pentax, trois objectifs et un trépied Manfrotto. Je prends l’appareil et de la nourriture dans un sac à dos, cela me permet de déambuler et marcher sur d’assez longues distances sur une journée. Je travaille seule, ce qui est un autre élément important dans la création: de la tranquillité, du calme et une certaine tension que je souhaite faire passer par mes clichés.

B!B!: Comment décririez-vous votre travail et son évolution?

Ellie Davies: Je fais de la photographie de paysage en utilisant divers objets fabriqués que je crée dans un cadre boisé. Ceux-ci sont photographiés et l’image résultante devient la pièce finale. Dans le passé, ces interventions ont varié de formes, allant du tissage fabriqué à partir de matériaux d’artisanat, de l’utilisation de fougères, de farine, de feuilles de couleur comme de fumée, à la création de « logements » construits à partir de matériaux. Chaque objet « construit » a une très courte durée de vie et n’est pas une œuvre d’art. C’est un moyen de créer une image photographique. J’utilise mon travail pour explorer ma relation avec le monde naturel. Les images explorent les différentes perceptions culturelles de la forêt, et comment cela joue avec notre expérience de ces espaces. Ces choses viennent à nous à travers les médias, l’histoire, les contes de fées, les mythes, la psychologie, la conservation, etc. et permettent une approche de la forêt comme un lieu de danger, d’horreurs inconnues ou encore une métaphore de l’inconscient. Mes images considèrent ces couches de sens tout en encourageant le spectateur à faire sa propre interprétation de ce qui se passe. Dans la série « Stars » (2014-2015) par exemple, j’ai recouvert les images prises par le télescope spatial Hubble avec des espaces forestiers. Je considère cette série, qui juxtapose la forêt avec des images des confins de l’espace, comme la représentation de notre aliénation du monde naturel. Ma plus récente série « Half Light » (2016) se tourne plus particulièrement vers les rivières de la New Forest, et c’est une nouvelle exploration de cette relation. Les berges de la rivière créent un faux horizon dans le bois, et les eaux profondes séparent le spectateur de la forêt, ce qui reflète encore une fois la séparation au monde naturel.

B!B!: Quels sont vos futurs projets?

Ellie Davies: Je travaille toujours sur la série « Half Light », que je vais continuer à l’automne. Ensuite, je vais commencer à expérimenter et tester à nouveau. Les pistes possibles comprennent un parachutage à 60 pieds de haut et peut-être un peu de feu. Je suis également très impatiente pour ma prochaine exposition solo à la Crane Kalman Gallery, appelé « Into The Woods », du 21 Juillet au 20 Août 2016. Je travaille aussi sur mon premier show en Irlande l’année prochaine, une exposition solo à la Roe Valley Arts and Cultural Centre dans le comté de Londonderry en Irlande du Nord.